by Gianmaria Griglio

Why is contemporary music so frightening to audiences and artists? Why are people hesitant to attend contemporary music concerts? It has not been always like this. There was a time, up until the mid-twentieth century, when contemporary music in its various form was still performed and accepted (almost) without prejudice by both parties. It was common to find new operas of Verdi and Puccini in theaters long before they became classics. The theater was a place to go and have fun, like a cinema today. Audiences posed themselves less questions about music. They would not worry about understanding it or being prepared on the composer or not; they just worried about liking the music or not liking it.

One could argue that when this happened performances were not so perfect as we expect them to be today. True. Most composers did not have at their disposal the best orchestras and even the best orchestras were not, in all likelihood, half as good as a modern day mid level orchestra. Concerts were marathons, going on for hours and hours, with a great variety of music being performed. Lights in theaters were on and people would eat and talk like at the bar.

Music has evolved in time in a curious way: it was common practice to improvise on an instrument, practice that nowadays has been delegated mainly to jazz musicians. Finding a classical violin player that improvises the cadenza of a Mozart concerto is almost impossible. In the same way, it is quite improbable to find a composer finishing the music one hour before the performance. It is probably also our fault as musicians: especially during the 50s and 60s, musicians turned music into some complex construct that needs an explanation. We made our audiences afraid of us by telling them that some music was only for an elite who could understand it. We told audiences that they had to be prepared, go to conferences, read explanatory treatises and then maybe we would allow them to approach us.

Most people go to a concert today having heard the piece being performed over and over again. They already know what they are going to listen to. And the musicians, at the first rehearsal, already know how they are supposed to play. Everything feels somewhat comfortable and safe.

This does not happen with contemporary music, especially with ground-breaking music. Even classic composers like Beethoven experienced a kind of prejudice in some cases: for example, at the time of his fifth symphony, which now is familiar to almost everyone in the world, Beethoven had been saluted as ready for a “mad-house”. It destroyed the certainties people had about symphonic music, made some of them uncomfortable and some enthusiastic. Musicians in the orchestra were disoriented by what they were playing.

Performing (and listening to) contemporary music is a challenge, quite different from playing and listening to the classics. There is no template, nothing to relate to, nothing to listen to, no comparison chart with other performers. A singer that has a role in a new opera cannot learn the part from a cd (which, sadly, is what happens most of the time with regular repertoire), nor try to pick and spot his favorite interpretations and make a mix of them. In new music, every artist involved in it is completely “naked”, and needs to take the music out to the audience all by her/himself, relying only on her/his knowledge, feelings, and capacity to read a score and make the most out of it, without looking at this or that interpretation. In a big project, like staging a new opera, these qualities are essential to the outcome of the performance. In the modern world, so full of models to follow in any human field in order to obtain what seem to be the most important things - success and money - this has become increasingly difficult.

Some performers rely on the fact that since it is a new work and it has never been heard before, audiences will not be able to judge their performance, thus setting the base for the worst thing that could happen to a performance: carelessness in preparation. This attitude does not honor the music, the composer or the audience. Additionally, it is ultimately a wrong thesis, as it presumes that audiences are not able to have an opinion unless it is superimposed on them by some past recording or an explanatory panel of experts. Performers, as well as audiences and composers, often forget the most important thing about music: it is not about knowledge, music is about feeling. And feelings do not need explanations or knowledge or preparation. They are what people should be sensing, whether it is new music or not. And feelings are what people respond to, because that is what makes music so special: music is an international language that does not need a translator, common to all men and women in this world.

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Per quale motivo la musica contemporanea spaventa così tanto sia il pubblico che gli artisti? Perchè c’è così tanta esitazione nel recarsi ad un concerto di musica contemporanea? Certo non è sempre stato così. Fino alla metà del ventesimo secolo infatti, la musica contemporanea, nelle sue svariate forme, veniva regolarmente presentata ed accettata (quasi) senza pregiudizi da entrambe le parti. Era perfettamente normale trovare nei teatri le nuove opere di Verdi e Puccini ben prima che diventassero dei classici. Il teatro era un luogo in cui si andava per divertirsi, come un cinema al giorno d’oggi. Il pubblico stesso si poneva meno domande riguardo alla musica. Non si preoccupava di capirla o di arrivare preparato sul compositore; l’unica preoccupazione, se così si può dire, risiedeva nel valutare il proprio grado di apprezzamento per la musica in sè.

Si potrebbe argomentare che le esecuzioni, al tempo, non erano così perfette come ci si aspetta oggi. Vero. La maggior parte dei compositori certo non avevano a disposizione le orchestre migliori, ed anche le orchestre migliori non raggiungevano, con ogni probabilità, nemmeno la metà del livello di una media orchestra odierna. I concerti erano delle vere e proprie maratone, duravano ore ed ore, durante i quali veniva eseguita una gran varietà di musica. Le luci nei teatri erano accese e la gente era solita mangiare e parlare con se si trovassero in un bar. La musica, nel tempo, ha subito evoluzioni curiose: l’improvvisazione, ad esempio, era una cosa perfettamente naturale, una pratica che ivece oggi è delegata quasi esclusivamente ai musicisti jazz. E’ praticamente impossibile oggi trovare un violinista classico che improvvisi la cadenza di un concerto di Mozart. Allo stesso modo, è molto improbabile che un compositore oggi termini un pezzo un’ora prima del concerto.

E’ probabile che una parte di responsabilità sia anche da attribuirsi a noi musicisti: in particolar modo durante gli anni 50 e 60, i musicisti stessi trasformarono la musica in qualche complesso costrutto che necessitava di una spiegazione. Abbiamo reso il nostro pubblico timoroso nei nostri stessi confronti, dicendo loro che c’era della musica che doveva essere patrimonio esclusivo di un’elite che fosse in grado di comprenderla. Abbiamo costretto il pubblico ad essere preparato, a partecipare a conferenze, a leggere trattati esplicativi per poter essere degno, forse, un giorno, di avvicinarci.

La maggior parte delle persone, oggi, si presentano ad un concerto dopo aver ascoltato innumerevoli volte ciò che verrà eseguito. Conoscono in anticipo quel che ascolteranno. Ed i musicisti, alla prima prova, già conoscono, o quantomeno suppongono, come devono eseguire ciò che leggono sul proprio spartito. Tutto è in qualche modo confortante e sicuro.

Tutto questo non succede con la musica contemporanea, specialmente con quella particolarmente innovativa. Anche compositori che ormai sono dei classici assoluti hanno provato l’esperienza di qualche sorta di pregiudizio in alcuni casi: ad esempio, al tempo della sua quinta sinfonia, Beethoven venne definito come “pronto per il manicomio”. Aveva ditrutto solide certezze nella musica sinfonica, e conseguentemente provocato disagio e sollevato entusiasmi. Gli stessi musicisti in orchestra furono disorientati da ciò che si trovarono a suonare.

L’esecuzione (e l’ascolto) della musica contemporanea è una sfida, alquanto differente dall’esecuzione e dall’ascolto dei classici. Non ci sono modelli, nulla cui fare riferimento, nulla da ascoltare, nessun confronto con altri esecutori. Un cantante con un ruolo in un’opera nuova non può imparare la parte ascoltando un disco (cosa che, tristemente, succede in gran parte anche con il repertorio più classico), nè scegliere alcune esecuzioni dei propri interpreti preferiti, farne un mix e trarne una propria (!) interpretazione. Nella musica contemporanea, ogni artista è completamente “nudo”, ed è costretto a far emergere la musica da solo, facendo affidamento esclusivamente sulle proprie conoscenze, le proprie sensazioni, la propria capacità di leggere una partitura e ricavarne il massimo, senza considerare questa o quell’interpretazione. In un progetto di grande respiro, con la rappresentazione di un’opera, queste sono qualità essenziali per la riuscita dello spettacolo. Nel mondo odierno, così pieno di modelli da seguire in ogni campo dello scibile umano per poter raggiungere ciò che sembra essere la cosa più importante - denaro e successo -, la cosa è diventata sempre più difficoltosa.

Alcuni esecutori fanno affidamento sul fatto che, dal momento che in una prima assoluta la musica non è mai stata eseguita, il pubblico non sarà in grado di giudicare la loro escuzione, gettando in tal modo le basi per quanto di peggio possa accadere ad una produzione: superficialità nella preparazione. Questo tipo di atteggiamento non rende onore nè alla musica, nè al compositore, nè al pubblico. E’ inoltre una tesi che erroneamente presuppone l’incapacità del pubblico di possedere un criterio di giudizio autonomo ed indipendente da registrazioni o spiegazioni di esperti in materia. Gli esecutori, tanto quanto il pubblico ed i compositori, spesso dimenticano la cosa fondamentale riguardo alla musica: essa non ha a che fare con la conoscenza, ma con le sensazioni. E le sensazioni non necessitano di conoscenza o preparazione, che si tratti di musica nuova o meno. E sono ciò a cui tutti noi rispondiamo perchè costituiscono la quintessenza della musica stessa: un linguaggio internazionale comune a tutti che non necessita di traduzioni.